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Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca

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Kumantuk, otra visión de la cultura mixe

Rocío Flores

OAXACA, Oax. Por lo general lo que se conoce sobre las culturas de Oaxaca son interpretaciones que han pasado por la mirada de un investigador ajeno a la comunidad, considera Facundo Vargas (Kunt), arqueólogo y músico, originario de Santa María Tlahuitoltepec.

Kunt expone que esas personas que vienen de fuera son quienes van definiendo cuales son los lugares funcionales y realizando interpretaciones de las culturas, de cómo fuimos o cómo somos, “lo cual es válido”, aclara. Sin embargo, opina que también hay que dar oportunidad de proponer otras miradas.

Lo que sucede 一explica一 es que la mayoría de los investigadores van cambiando, porque sus interpretaciones generalmente tienen que ver más con lo material, no investigan la tradición oral, ni a la gente, ni los paisajes sonoros.

Por esta razón, el músico y arqueólogo diseñó un sitio arqueológico llamado Kumantuk, que data de hace 10 000 a. C a 5 000 años a. C. con la idea de replantear una zona antigua desde la mirada de un mixe, reflexionar y poder buscar nuestros criterios, revalorar lo que somos, de dónde venimos y porqué estamos acá.

“El invento de este sitio arqueológico puede tener tanta validez como cualquier otra interpretación del pasado y el presente”, dice el músico, y detalla que ese espacio pertenece a la cultura protomixe zoque.

Kumantuk (seres con la capacidad de quitarse e intercambiarse las cabezas entre sí) es una instalación sonora que expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO). En ésta, fusiona los conocimientos de la arqueología con su ser mixe y músico.

La instalación es básicamente una crítica a la arqueología, que con los años va modificando las interpretaciones de acuerdo a realidades propias. Kumantuk son sonidos del campo mezclados con registros de la realidad cotidiana que se vive en la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec.

“No es esa idea romántica de la música prehispánica, son los sonidos actuales de la cultura mixe, lluvias, aire, sonidos de la vida cotidiana, efectos de trombón, música de los funerales, incluso los de Semana Santa, lo que hoy en día es Tlahuitoltepec”, enfatiza Kunt, también integrante de Ensamble Kafka y la agrupación Los Pream.

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La instalación es también una propuesta para mirar cómo sería un sitio arqueológico y una cultura sin un investigador de por medio. “Porque en la escuela nos enseñan a mirar el presente y el pasado desde una visión eurocéntrica, desde la mirada de los europeos. De los mixes solo nos enseñan media cuartilla y una ilustración. Nos van delineando a partir de cómo quieren que entendamos la vida”, suelta Facundo.

[quote]“Todo el tiempo citamos de afuera, aunque la gente es aquí cita a los griegos, a cualquiera de afuera, pero nadie dice ‘como diría mi abuelo o  ‘el sabio del pueblo’, etc. Todo es desde afuera”, reitera.[/quote]

Kunt admite que es más músico que arqueólogo, pero reconoce que esa profesión le ayudó a entender su origen, a reflexionar y a establecer nuevos criterios para mirar lo que somos. «Esta propuesta es eso, mostrar quienes somos de adentro hacia afuera».

Facundo plantea que se puede vivir lo contemporánea pero siempre es necesario mirar atrás; valorar el pasado para resignificar el presente.

Comenta que estudiar Arqueología le hizo ver las cosas de otro modo, entender su idioma y el conocimiento que existía en nuestras comunidades. Facundo asegura que el conocimiento del mundo también está entre la gente que vive en nuestros pueblos de Oaxaca, porque ellos entienden los ciclos de la vida. Trabajan con la tierra y es ahí donde se entiende, a diferencia de las ciudades solemos ser más distantes.

«Aquí entiendes el proceso de una planta, en qué temporadas salen animales y eso genera mucha conciencia, por eso aquí le hablamos a los árboles, a la lluvia y por eso los rituales, aunque aparentemente no pasa nada, funciona porque todo es energía. La gente que estudia cree que sabe más de la vida, pero no siempre es así, hay otras realidades», apunta.

Antes, el entrevistado confiesa que su objetivo era ser un skate. Su idea era venir a la ciudad, pero le dijeron que tenía que estudiar y decidió casi de manera intuitiva estudiar arqueología en Veracruz . “También es increíble lo que puede decir una cerámica, una piedra … ¡es un viaje, es como la música!»  dice y evidencia en su rostro su pasión por este arte.

Kumantuk forma parte del segundo ciclo de intervenciones sonoras Xëmaapyë (Los contadores del día) y se expone en el MACO durante el mes de abril.

 

 

nada queda...

Inicia ciclo de cine y radio desde ‘El lugar que habitamos’

El lugar que habitamos’, Muestra de Cine y Radio Comunitaria en Mesoamérica

Rocío Flores

OAXACA, Oax. El lugar que habitamos nos convoca. La frase hace referencia a ese municipio o pueblo donde convivimos y exhorta a mirar nuevamente el sitio de donde se obtiene lo que consumimos, el agua, el oxígeno, el paisaje y la cultura que nos identifica, señalan los organizadores.

El lugar que habitamos es una Muestra de Cine y Radio Comunitaria en Mesoamérica, “desde nuestras comunidades, desde lo propio; y en ésta se abordan temas de actualidad para nuestros pueblos y regiones del país”, abundan.

Cada año esta muestra busca fortalecer espacios de exhibición en comunidades, al tiempo que comparte con el público la producción  radiofónica y de cine  local, regional, nacional e internacional.

En su cuarta edición, exhibirá nueve  películas de México, Ecuador, Bolivia y Chile con temas como el cuidado y la defensa de los territorios. Además de Las Voces que somos, un conjunto de 20 producciones radiofónicas que estarán difundiéndose los días 12, 13, 14 y 15 de noviembre de 2018  a las 13:00 hrs – XHUBJ Radio Universidad de Oaxaca 91.5 FM y más de 30 invitadas e invitados nacionales e internacionales.

También contempla una selección especial del Festival Internacional de Cine para niños…(y no tan niños)  el cual estará  exhibiéndose los días 9, 10 y 11 de noviembre en el Museo Infantil de Oaxaca a las 16:00 horas y 14:00 horas  respectivamente.

La muestra inicia este jueves a las 19:00 horas en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca con el homenaje a Dominique Jonard conocido como Franco Purépecha, un artista plástico francés radicado en México desde 1977, quién falleció en enero de este 2018.

Jonard visitó  las comunidades indígenas de este país y durante su viaje decidió hacer su primer proyecto de animación con los niños purépechas del pueblo de Ihuatzio, quienes dibujaron las imágenes a las que posteriormente les pondría movimiento, este acontecimiento dio inicio a la carrera del artista, pero ahora como animador.

 El Lugar que Habitamos es una oportunidad en Oaxaca y Mesoamérica. La muestra estará exhibiéndose en Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca Museo Infantil de Oaxaca, MIO  Lugar Común y en simultáneo en 20 comunidades indígenas de Oaxaca, entre ellas Guelatao de Juárez, Villa de Etla, Santa Ana del Valle Magdalena Teitipac, Yucuhiti, Mixteca, San Mateo del Mar, Pueblo Viejo, Villa de Tututepec, Jicayán, Huatulco, Zimatlán de Álvarez, Huajuapan de León, La Trinidad Ixtlán,  Cosoltepec, San Juan Quiahije, Santa María Yaviche, Santa María Yosocani.

Para mayores informes dale clic  aquí El lugar que habitamos

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‘Exponencial’, apuntes visuales sobre el capitalismo

Rocío Flores

OAXACA, Oax.  Exponencial es la cuarta exposición individual de la artista Edith Morales, una propuesta para mirar desde el arte, el impacto del sistema capitalista en nuestras actividades y relaciones cotidianas, sociales y personales.

En su obra, la artista visual reflexiona sobre temas como feminicidios, migración, identidad, cuerpo y territorio, vinculados a un sistema de datos, códigos y contraseñas que — dice—  orientan nuestras acciones e interpretaciones.

Es un mensaje  que tiene su génesis en la recopilación y decodificación de saberes sobre  matemática pura, datos y relaciones cualitativas que  vienen de su oficio como contadora, con un fuerte vínculo a procesos artísticos. Edith recurre a disciplinas como la Fotografía, la Danza Contemporánea y la Videoinstalación, entre otras, para abordar problemáticas contemporáneas que nos atraviesan a todos.

Sus piezas no son locales, aunque son reflexiones personales y parten de un espacio determinado, trascienden a lo global.  Desde un país y un estado donde la cifra de feminicidios aumenta “exponencialmente” (en este sexenio se reportan 206 en Oaxaca) habla de la omisión de los poderes ante este y otros  fenómenos sociales.

Cifra es una intervención en muros en donde ha marcado con sellos, cientos de imágenes de la princesa zapoteca Donají decapitada, rehén de un conflicto entre zapotecas y mixtecas entre 1487 y 1523.

[quote]Donají fue rescatada como un símbolo institucional  y cultural por el gobierno municipal de esta ciudad, pero en realidad es la representación del poder patriarcal sobre el territorio, dice tajantemente la creadora.[/quote]

La metáfora puede ser entendida como un emblema de un sistema de dominación sobre los cuerpos de las mujeres, cuerpos objeto, vejados constantemente.

Los muros son como un mapa, una representación del país, es México sellado por las muertes de miles de mujeres. “Para el sistema somos una cifra”, apunta la artista visual.

En las piezas de Edith son constantes las intersecciones. Ella vincula su quehacer como contadora, utiliza algunas tareas, objetos y relaciones para hacer apuntes y reflexiones que han orientado su posición como artista.

En Contraseñas resignifica las bitácoras que contienen datos para acceder a trámites electrónicos -bancarios, fiscales y de seguridad social. Cuestiona así el sistema lógico y de datos en el que estamos inmersos. Dice que es como un tributo al Estado, donde ella se ve como el instrumento, la operadora que entrega esa información a ese sistema que deshumaniza, que te hace datos, que te vuelve invisible.

Edith archiva y registra operaciones económicas,  pero también imágenes; en su labor artística retoma la Fotografía para evidenciar la ausencia, lo visible y lo invisible.

Ausentes es otra de las piezas que Morales exhibe en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO). Se trata de una una instalación fotográfica a manera de cartografía del cuerpo como territorio. Su experiencia como bailarina de danza contemporánea durante 15 años, le proporcionó una reflexión sobre el mismo, el cuerpo es el principal protagonista presente y ausente en sus imágenes.

La obra nace de una coreografía de la bailarina Alma Quiroz y habla del fenómeno de migración.  Ese desplazamiento —apunta la artista oaxaqueña— forzado o consciente  que emprenden habitantes de comunidades rurales a urbanas y a otros países en busca del progreso y una mejor oportunidad de vida, ha abonado a la gran cifra de desaparecidos en el país. (Los datos oficiales de 2017 reportan más de 34 mil),

Edith Morales describe la instalación como una imagen amorfa de cuerpos. De fondo se puede escuchar la voz de la madre Angélica de Perú, que busca a su hijo; es una denuncia de 1983 que prueba como el fenómeno no es sólo un asunto de países, sino de un sistema insensible y omiso.

“El cuerpo ha sido territorio del poder —que divide y condiciona —  y depósito de una violencia histórica que intenta someterlo. Para ellos somos cuerpos residuales, invisibles, somos cifras”, dijo la artista durante un recorrido por la muestra curada por Oliver Martínez kant, la cual se exhibirá en el MACO hasta el mes de septiembre.

Morales emplea el ejercicio fotográfico para “re-humanizarlo”, propone mirar el cuerpo como modelo de resistencia; como una evocación narrativa que busca escapar del sistema que lo domina y lo orilla a lo residual.

 Edith Morales

Edith

La creadora en la inauguración de Exponencial/Foto: Cortesía.

Artista Visual, se caracteriza por mostrar el paisaje cotidiano, el retrato y los procesos de identidad y archivo. Su trabajo con comunidades de Oaxaca enfatiza la cotidianeidad e identidad de las mujeres, de las comunidades y su relación directa con el cuerpo.

Exposiciones: Washington & Lee University, Staniar Gallery, Lexington , VA, EE UU, San Diego Mesa College Art Gallery, San Diego Californa  EEUU, Fredonia Univertity, Reed Library, Fredonia, New York, EE UU, Galeria Shinzaburo Takeda, Escuela Bellas Artes, Oaxaca, Social and Public Art Resource Center SPARC, Los Ángeles CA. EE UU, entre otros.

‘Intuir el azar’, una mirada al hiperconsumo

En Intuir el azar  el hallazgo es la pauta inicial para la creación

Rocío Flores

En Tijuana, México, la industria maquiladora ha sido de las que han propiciado el desarrollo y el progreso, según la versión oficial. Esta ciudad norteña es básicamente, un lugar de asentamiento de empresas trasnacionales, que desechan grandes cantidades de materiales.

“En Tijuana hay una serie de concesiones en relación a los impuestos, la mano de obra es muy barata, por ello,  es de alguna manera un paraíso para las  industrias trasnacionales”, precisa el curador de Arte Daril Fortis, aquí en Oaxaca.

De ese contexto, el asunto de lo político, económico y laboral en relación a la maquila, el artista Jaime Ruiz Otis (Baja California 1979) ha logrado construir la propuesta artística que se exhibe a partir de este viernes en Oaxaca.

La muestra Intuir el azar es una exposición monográfica en la cual se revisa 19 años de trayectoria del artista  (1999-2017) y fue inaugurada en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO).

La obra se diferencia porque utiliza materiales recuperados de la industria maquiladora,  es decir desechos de esas empresas.

Daril Fortis, responsable de la curaduría, cuenta que el artista visita los basureros y recicladoras sin una idea preconcebida de lo que está buscando, de ahí el nombre Intuir el azar, el cual refleja el hallazgo, como la pauta inicial para la creación de la obra, en donde Ruiz Otis se da a la tarea de recuperar y transformar el material en objeto artístico. “Logra a través de su mirada resaltar cualidades plásticas, sin diluir el discurso inmanente”, apunta el curador.

Se refiere a  ese discurso debajo de la idea de progreso, en donde las condiciones laborales que se caracterizan por la precariedad, jornadas muy largas que no serían las óptimas para la salud laboral y cuyos trabajadores en su mayoría son mujeres. “Hay ahí problemática de género”, agrega.

Recuerda también que en este escenario laboral, Tijuana se convirtió en la capital mundial del televisor, producía 14 millones de televisores al año, luego fue desbancado por China.

Ese tipo de fenómenos sociales, relacionados, con lo geopolítico, con el Tratado de Libre Comercio (TLC) con políticas de migración, con la desigualdad de género, y la conciencia ecológica  es parte del escenario de creación de Jaime Ruiz Otis.

Pero es su poética, esa metodología estética en la que decide qué materiales y qué texturas toma para transformar en obra, o qué descarta,  la que se pone al público en exhibición para las distintas posibilidades de lecturas.

[quote]“La obra de Jaime tiene diversas lecturas, incluso es una postura hacia la reutilización de los materiales y una manera de fijarnos en el ‘hiperconsumo’, en el ‘hiperdesecho’, producto de esa idea que pondera  lo económico para detonar  el desarrollo, aunque no se logra en Tijuana, pues hay disparidad entre lo que se produce, y la condición social de los empleados “.[/quote]

En Intuir el azar, el bajacaliforniano muestra más de 50 piezas de diferentes disciplinas, entre ellas hay video, instalación, intervención, pintura, objeto encontrado, con materiales como foil de oro, toner de faxes, microesferas, y monitores que serán exhibidos a manera de un jardín oriental. La muestras estará en el MACO durante tres meses a partir de este viernes.

Jaime Ruiz Otis es un artista multidisciplinario: escultor, pintor,  grabador, ha participado con escultura e instalación con artistas como Jan Hendrix, Luis López Loza y  Karla Rippey. Ha realizado exposiciones y proyectos individuales en el Centro Cultural Tijuana (CECUT), Museo Universitario Arte Contemporáneo-UNAM, Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD), Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Arróniz (DF) y Galería La Caja Negra (Madrid) entre otras. Su obra forma parte de las colecciones del MuAC, el MCASD, FEMSA, Imago Mundi, entre otras.

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Cuerpos, rebeldía y sanación, entre los temas de la FILMUFE

La feria se realizará del 5 al 9 de mayo en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca

Se compartirán los saberes de sanadoras ancestrales, activistas, académicas, artistas y escritoras, como generadoras de conocimiento colectivo

Nuvia Mandarín/Foto: Jorge Luis Plata

OAXACA, OAX. La Feria Internacional del Libro, Feminismo y Descolonización (FILMUFE) realiza este 2018 su tercera edición, el tema central es Cuerpos, Territorios, Rebeldía y Sanación, en donde se abordarán las distintas violencias hacia las mujeres, los procesos de resistencia y sanación que viven, como en el caso de la defensa de los territorios.

Para la psicóloga Viridiana García Bautista, una de las organizadoras de la FILMUFE, es importante reflexionar en estos temas por el contexto que vive Oaxaca actualmente, en donde en lo que va del sexenio de Alejandro Murat, se han registrado alrededor de 160 feminicidios, segun cifras de organismos no gubernamentales, lo cual dice,  habla de un mensaje claro de la violencia hacia los cuerpos de las mujeres y la naturalización con la que se reproduce.

La también  feminista oaxaqueña señala que en el caso de los desastres naturales y conflictos sociales, como el terremoto del año pasado de magnitud 7.2, el enfrentamiento en Nochixtlán en 2016 entre la Policía Federal e integrantes de la CNTE, y las concesiones a mineras extranjeras, no son situaciones aisladas, ya que las comunidades se vuelven vulnerables y el cuerpo de las mujeres es lo primero que se toma como “botín de guerra”.

Las feministas tienen distintas formas de mirar y expresar estas opresiones, por lo mismo sus procesos de sanación pueden ir desde el arte con la escritura, la lectura, la intervención de los cuerpos, así como con el activismo y la formación de redes de conocimiento, espacios que las vuelven de alguna manera rebeldes por el contenido político que tienen sus creaciones, considera García Bautista.

En la FILFUME se compartirán los saberes de sanadoras ancestrales, activistas, académicas, artistas y escritoras, todas generadoras de conocimiento colectivo. Además se abordarán temas como la gordura, las experiencia de las mujeres en las cárcel, la publicidad sexista, el periodismo de género en el estado, la menstruación, la seguridad digital, la defensa de los territorios, erotismo, entre otros.

Meztli Jiménez, otras de las organizadoras, detalla que en esta edición habrá talleres para niñas y niños, con la intensión de que aprendan a reconocer sus cuerpos y a respetarlos, porque desde la infancia deben saber expresar sus necesidades, lo que les gusta y lo que no.

Entre las invitadas estarán: Irma Rodríguez, poeta y novelista oaxaqueña; Soledad Jarquín, periodista de Oaxaca, especializada en temas sobre género; Lorena Cabnal, defensora comunitaria de Guatemala; Francesca Gargallo, escritora y activista italiana, ha escrito sobre el feminismo en Latinoamérica y México; Nora Buich, poeta argentina, entre otras.

La FILMUFE 2018 fue presentada este miércoles en rueda de prensa en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), además de Viridiana García y Meztli Jiménez, estuvieron Isabel Castellanos, Erika Lili Díaz Cruz y Guadalupe Santaella, organizadoras de esta feria que se realiza cada año en esta ciudad capital.

La feria se realizará del 5 al 9 de mayo, a través de talleres, charlas, presentaciones de libros, perfomance y conversatorios , la sede de todas las actividades será en el MACO, en donde habrá venta de libros. Para consultar a detalle horarios y fechas dale click aquí.

 

Otras mujeres

‘Otras mujeres’, imágenes y experiencias sobre la no maternidad

Otras mujeres, forma parte de Red FotoMéxico 2017, y permanecerá en exhibición en el MACO hasta el 11 de enero de 2018

Rocío Flores

OAXACA, Oax.   Ser madre en México y en muchas partes del mundo parece un requisito para sentirse plenas, incluso suele verse como una necesidad, un instinto  natural o un mandato social, pero no lo es, al menos no para todas las mujeres.

La maternidad es un discurso dominante que ha ido introyectando esa necesidad, pero ser madre o no serlo es una decisión personal, coinciden en entrevista, la fotógrafa Judith Romero, la curadora Rían Lozano y la directora del Grupo de Estudios sobre la Mujer Rosario Castellanos (Gesmujer) Ximena Avellaneda.

Judith Romero inauguró este fin de semana la muestra fotográfica Otras mujeres, en la que visibiliza, a través de imágenes y testimonios recogidos en diferentes países, las percepciones, argumentos y experiencias de 10  mujeres que decidieron libremente no seguir esta idea que convierte a la (buena) mujer en sinónimo de madre.

Hacer pública la posibilidad de reflexionar este tema implicó para la artista un largo proceso de autoexploración, de investigación (que aún no concluye) y un trabajo creativo a través de la Fotografía. A la par,  la creadora realizó un proceso de desnaturalización de estereotipos y prejuicios, como el egoísmo o aquellos que consideran que no ser madre, anula su posibilidad de sentir amor hacia las niñas o niños, lo cual explican, es completamente erróneo.

Judith se encontró con más de una decena de mujeres  con diferentes contextos socioeconómicos, geográficos y de sexualidades diversas  pero que comparten entre ellas, la determinación de no ser madres.

A pesar de sus diferencias, incluyendo las raciales, las une esta decisión,  “no son solo hechos azarosos y esto es lo interesante de la investigación”,  explica Rián Lozano, la curadora de la muestra, feminista, historiadora del Arte y Doctora en Filosofía.

Otras Mujeres. Buenos Aires Argentina 2015

A partir de los relatos,  la también  investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, identifica que estas mujeres tienen dos cosas en común, la primera tener que luchar mucho contra los prejuicios y todo el impacto que  la construcción de la buena mujer, relacionado con la idea de ser madre, tienen en nuestra sociedad mexicana y en la sociedad mundial.

Por otro lado destaca la capacidad, la voluntad y la valentía de alejarse de las cosas que no les funcionaban, sea familia, o entorno laboral. Al final, señala la curadora, este trabajo permite reflexionar sobre la maternidad asociada a la soledad, “parece que la maternidad, es procrear y tener asegurado un futuro con alguien a tu lado. Parece que cuando no tienes un hijo te vas a quedar sola el resto de tu vida”.

Rián explica que otros de los temas recurrentes en las protagonistas es el tema entorno a los derechos sexuales y reproductivos, muchas de ellas, hablan del aborto y en una situación como la que se vive actualmente en México, donde hay mujeres presas  por abortar, es fundamental pensar que es un derecho por el que hay que seguir luchando.

En su opinión, la exhibición de Romero representa un acto potente, que pone en tela de juicio un discurso dominante, parte de un proceso exploratorio pero tiene un compromiso político y éste es la decisión de no ser madres. «El arte es un espacio estupendo para colocar este tipo de discursos que parecen ajenos a la sociedad», agrega.

[quote] Esta elección implica el ejercicio pleno de un derecho humano: el de decidir libremente y sin remordimiento sobre tu  sexualidad, sobre tu cuerpo y sobre tu vida, coinciden  la fotógrafa, la curadora Rián y la directora de Ges Mujer, Ximena Avellaneda.[/quote]

Avellaneda coloca este tema en el contexto de Oaxaca, expone que es un tema que se aborda poco en el estado, pero que es fundamental pues tiene que ver con los derechos humanos inherentes a las mujeres, el de decidir sobre su cuerpo.

¿Cuál es la función de la maternidad en este sistema, para qué les sirve ser madre? 

Todas sonríen,  toman aire, suspiran y explican que dentro del sistema social actual ser madre parece un mandato para las mujeres, lo cual ha convenido a las instituciones como la familia o la iglesia, las cuales han reforzado esa forma de pensar.»Pero la realidad nos lleva a situaciones patéticas, hay mujeres que se tienen que enfrentar violentamente a la maternidad, sin desearlo, con consecuencias horribles para ellas  y para los niños o niñas que han procreado», explica la directora de GesMujer.

«La  maternidad ha servido al sistema para mantener a las mujeres dentro del ámbito privado, en el cuidado de los hijos y liberar a los hombres de esa responsabilidad con el argumento de que aportarán al sustento, pero el tiempo ha mostrado otra realidad, ni hay tal sustento ni  tal presencia de los hombres, por el contrario, han relegado la crianza a las mujeres», añade.

La moral hegemónica nos dictó desde pequeñas la maternidad como un mandato, pero a medida que vamos creciendo la acomodamos  a nuestra vida, a partir de las experiencias propias y posibilidades vitales, apunta la comunicadora Anel Flores y agrega que la no maternidad es una tendencia -no una moda como dicen algunas revistas- porque siempre ha existido.

Judith Romero visibiliza lo existente y su exposición se convierte quizá en un hecho inédito en Oaxaca. El MACO le abrió las puertas para hacerlo público. Su directora Cecilia Mingüer señala: “es necesario revisar algo que muchas mujeres sabemos, y nadie ha hecho públicamente, la posibilidad de explorar qué piensan y cómo se sienten con la presión de las amigas, de la familia y con la pareja”.

De la serie Otras Mujeres, playa Aguachil, Ixhuatan, Oaxaca 2017.

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L.A. Random: la vida que ‘punza’ en Los Ángeles

 La muestra L.A. Random fue inaugurada el fin de semana en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca

Rocío Flores

OAXACA, Oax. Imágenes de la vida latina en Los Ángeles, California constituyen la estructura de L.A. Random, muestra gráfica del artista  Peter Liashkov que se expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO).

De ascendencia rusa y francesa, Peter Liashkov vivió en Argentina en los años formativos de su infancia, desde hace 67 años radica en Los Ángeles.

En su obra, el artista deja de lado esas imágenes que tienen que ver con el cine y con la industria,  y explora en la vida interior de esta ciudad estadunidense: la población de los Ángeles.

Liashkov recuerda que el 60 por ciento  de quienes viven ahí son latinos: mexicanos, chicanos, salvadoreños, hondureños, “para mi es la vida que punza”, resume.

[quote] “Ellos trabajan para este otro  mundo, es mi experiencia y mi deber  como artista plástico comunicarlo”.[/quote]

El artista recupera imágenes íntimas de latinos, de mercados, del cine mexicano, de las texturas de la tierra y los plasma en carteles, la base de su obra.

En sus piezas  sintetiza también su experiencia de 30 años en el diseño, el balance de los colores; aunque hay una presencia figurativa que viene de su trabajo como pintor, el autor aclara que el espíritu que quiere comunicar es lo emotivo, no lo decorativo”.

“Quizá los elementos que ocupo son sofisticados en la elaboración, pero el espíritu que quiero comunicar es profundo, a diferencia del grafitti que muchas veces son muy superficiales”, aclara.

Los Ángeles, un santuario

Los Ángeles, California es el primer estado estadunidense autodenominado santuario. Un día antes de esta entrevista, el gobernador  de ese estado, Jerry Brown firmó una ley para brindar mayor protección a los migrantes, con ella la policía local no podrá indagar sobre el estatus migratorio de ninguna persona, ni participar con las autoridades federales.

“La situación para los migrantes es muy penosa. Espero que  LA siga siendo un santuario, hasta que Trump se vaya, que todo se normalice”,  apunta Peter Liashkov.

Comenta que a pesar de este fenómeno migratorio, ha observado a la población migrante, la mayoría de la gente quiere volver a su país, a su tierra. «La gente latina (un porcentaje) que ha trabajado en los estados unidos alguna vez quiere volver a México», agrega.

¿Usted quiere volver también a su lugar de origen?

Para mí el origen es un poco volver al idioma. Además del francés, ruso, inglés, hablo español. Me siento muy a gusto con el español, me estoy latizando más y más, es como volver a la Argentina, volver a un país latino donde crecí.

“Lo que planteo en mi obra tiene que ver con lo que hay alrededor de mí. Mi obra es el reflejo”, reseña.

Después de 67 años en esa ciudad estadounidense, Peter Liashkov  señala que al final de su vida, después de viajar por todo el mundo,  llegó a casa: “Los Ángeles es el núcleo de mi vida”, apunta. La  lengua española y la vida latina, el espíritu de su obra.

Las piezas de este artista se encuentran en colecciones privadas y públicas: Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, Museo de Brooklyn, Universidad de California, Santa Bárbara, Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Museo Riverside de Arte, Museo de Laguna Beach, Centro de Arte Contemporáneo de Cleveland, Palacio de Mármol de San Petersburgo, Rusia, Museo de Arte Asiático de Fukuoka en Japón, por mencionar algunos

La muestra L.A. Random se exhibe en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) hasta el mes de noviembre.

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Desexotismos, el indio globalizado de Rocha

Rocío Flores

OAXACA, Oax. En la visión del cine, el indio siempre es un personaje apartado, vive en una burbuja del tiempo, hay una imagen sobre el hombre heroico pero apartado.

El caricaturista mexicano Gonzalo Rocha cuestiona esta mirada en las películas clásicas del cine mexicano, ese personaje -dice- nunca se presentaba como alguien en constante intercambio con los demás a pesar de que cohabitaban en las ciudades.

Los rostros de Lorenzo Rafael, María Candelaria, y del indio Tizoc, protagonistas de cintas mexicanas galardonadas a nivel internacional en 1943 y 1957, sirven al monero para desexotizar esa idea de que viven en un lugar recóndito del tiempo.

El monero transforma esa imagen del periodo final de la época de oro del cine mexicano a través del grafitti y el tatuaje, dos expresiones asociadas a las ciudades y a la globalización.

En su intervención al muro del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), Tizoc el indio legendario podría ser un migrante o una víctima de este mundo globalizado, apabullado quizá con las ideas de desarrollo.

Desexotismos es un indio de estos tiempos, un habitante de todas las ciudades pintado en acrílico en un gran formato; líneas y sombras entre otros migrantes: los enormes laureles de la India  plantados en el patio del MACO. Dos árboles haciendo eco en la representación del indio en la narrativa del caricaturista mexicano.

Las gráfica de Rocha, fundador y colaborar del diario La Jornada y la revista Proceso se puede observar en el patio del MACO desde este viernes y se mantendrá durante tres meses.

 

La osadía de ‘El Pescador’

Rocío Flores/Foto:JLP

OAXACA, Oax.  Situada en el corredor turístico de Oaxaca, en el cubo abierto del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), la obra del artista plástico y escultor,  Alberto Aragón Reyes, El Pescador se rebela a la inercia local.

La pieza monumental, de 5.50 metros de alto y 3 metros de ancho, jala a un pez de 4 metros de largo, fue elaborada con acero, resina y cargas minerales por maestros de la herrería en Oaxaca y el destacado artista que ha figurado en México, en Estados Unidos, y algunos países europeos, como Dinamarca y República Checa.

Su tamaño impone y enfrenta al público a una reflexión o,  a la autoconciencia.

En la propuesta estética del artista oaxaqueño confluye su interés en el misticismo, los animales, las metáforas y  la exploración de la psique humana.

De acuerdo al investigador social y poeta Abraham Nahón,  la obra monumental de Aragón puede remitirnos a un pasado mítico integrado desde la narrativa oral e Historia de Oaxaca, escrita en 1881 por José Antonio Gay, en donde se cuenta que algunos de sus pueblos estuvieron habitados por gigantes, quienes por su “inconciencia y pecados contra la naturaleza les atrajo ese fulminante castigo del cielo”.

Esos gigantes -dice- transitan de la oralidad a un arte  que celebra la imaginación  que nos precede.

Aragón construye una visión de esos mitos y símbolos, se reapropia de ellos.

La  pasión  del artista por el simbolismo está representada en  sus obras a través de animales, en esta pieza, el pez que arrastra El Pescador representa la abundancia, un tema recurrente en la obra del artista oaxaqueño.

“La abundancia es para el hombre pesadez pero también dicha. Detrás del sueño de la abundancia una verdad se oculta, tal como sucede en el mito”, apunta el artista.

Desde su perspectiva, el hombre que mira al Gigante se identifica por su forma humana, y si esta visión le procura autoconciencia, entonces, él es visto por el Gigante.

 “El Gigante es una proyección de mi forma humana, por ello, me identifico con él, en el Gigante me reconozco como hombre”.

El arte en relación con el trabajo y la naturaleza es también un rasgo que busca resaltar en sus piezas escultóricas y pictóricas. De ahí proyecta El Pescador, un hombre que expresa la fuerza del trabajo, su relación y su responsabilidad con la naturaleza.

La pesca es un signo en la pintura, escultura e instalaciones recientes de Alberto Aragón.

La pieza rinde homenaje a los pescadores del pacífico, de todas latitudes, al migrante que llega a las ciudades sólo con su fuerza de trabajo, y esta fuerza en el fondo sostiene a las sociedades.

EL PESCADOR 1

El Pescador parado en el centro del MACO atrae la mirada, es osado, provoca sorpresa, curiosidad y admiración entre los espectadores.

“Habrá que detenernos frente a la escultura para descubrir nuestra esencia como hombre y más allá del hombre como especie en la vida”, sugiere el artista oaxaqueño.

La escultura se  exhibirá hasta el 21 de abril, excepto los martes, en la sala Cubo Abierto del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, de 10:30  a 20:00hrs.

Bergemann, la mirada crítica en la fotografía de moda

Rocío Flores

OAXACA, Oax. “En los ojos de las mujeres engalanadas resplandece aún el alma, se trata siempre de la mujer íntegra, nunca solo una muñeca de vestir. De personalidad no de pose”.

La descripción corresponde a las imágenes de moda en la exposición de Sibylle Bergemann, considerada una de las fotógrafas más importantes de Alemania del siglo XX y se exponen en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, (MACO).

El retrato de la actriz Katharina Thalbach -de su primera serie de fotografías de moda que la hicieron famosa-  y la obra Marisa und Liane (1981), inauguran la muestra de más de 130 obras de la fotógrafa nacida en Berlín en 1941.

La mirada crítica de Bergemann captó imágenes alejadas del concepto de fotografía de moda de esa época.

En Marisa und Liane (1981) retrata a dos modelos de la Alemania del Este en un sillón de playa, en el Mar Báltico, la fotografía fue hecha para Sibylle, una revista de arte y cultura. La obra refleja la posición de la artista en la fotografía de moda.»La connotación es evidente se insiste en manifestar la individualidad», describe la ficha técnica.

Su visión fue objeto de una censura directa. Antes de la impresión  los editores decidieron modificar la comisura de los labios de una de las modelos hacia arriba, “porque una mujer socialista de ninguna manera podía verse infeliz como en esa foto”, explica Frieda von Wild,  la hija  de la artista.

[quote]“En general había una censura directa del Estado pero también una censura invisible que pasaba por la mente de los mismos artistas y fotógrafos, tenían presente las fronteras que existían, y sabían hasta donde podían, es una frontera invisible  que también se encuentra en México” dice von Wild que ha venido al estado a inaugurar la muestra.[/quote]

Sibylle Bergemann comenzó haciendo capturas de ventanas, creía que éstas revelaban mucho de la gente detrás de ellas. Su interés por la fotografía de moda inició cuando trabajaba como secretaria en una revista de arte  y cultura.

En sus piezas hay también registro de la Alemania dividida, un ejemplo son las instantáneas –en blanco y negro tomadas con su Polaroid- de la edificación del monumento a Marx y Engels en la parte socialista de Berlín o el célebre beso entre Leónidas Brezhnev y Heinrich Hönecker, una imagen que se volvió icónica y que fue pintada luego sobre el muro de Berlín.

Sus fotos están marcadas por la discusión crítica con la República Democrática Alemana, señalan sus críticos. Plasmó escenas en el Berlín de finales de los años 60; fue testigo de la desaparición de la RDA  en 1990, cuando se dio la reunificación alemana.

En esa época dejó el blanco y negro y comenzó a disparar en color. Años más tarde captó para la  revista de viajes Geo, imágenes de la naturaleza y de sus viajes a Nueva York, París, Tokio y São Paulo.

Geo  hizo una excepción  y consideró a la artista para  una serie de moda;  sus piezas tienen un registro muy particular, sus tonos siempre fueron matizados. Ironía, humor, y melancolía son características asociadas con su trabajo.

Bergemann murió en 2010. Algunas de las  imágenes de su multifacético trabajo, desde paisaje, retrato así como hasta ensayo y reportaje gráfico fueron traídas a Oaxaca por el Goethe-Institut Mexiko, con el apoyo del Instituto para las Relaciones Culturales Internacionales (ifa, por sus siglas en alemán), y por el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en el marco de sus 25 años de existencia.

La exposición bajo la curaduría de su hija Frieda von Wild, fue inaugurada el pasado fin de semana y estará abierta al público hasta el 3 de julio de este año en el MACO como parte de las actividades del Año Dual Alemania-México 2016-2017.